Betaal met Bancontact
Arrangeur, componist en producer, Alexis Delong heeft er nooit bewust voor gekozen om van muziek zijn beroep te maken. Als tiener luisterde hij enorm veel platen, leerde hij gitaar en bas spelen om mee te spelen met Velvet Underground of Jamiroquai, en ontdekte hij thuis IDM, elektronische muziek en hedendaagse jazz dankzij een zeer onderlegde stiefvader. De eerste keer dat hij Aphex Twin hoorde, opende dat een veel bredere horizon dan die van de radio.
Alles veranderde door toeval: op de middelbare school zocht een vriend een bassist en op een zaterdag zei hij ja. In Nantes volgden de bands elkaar op, tot Inuit, een zeskoppige formatie die hem arrangementen, de industrie en de kunst om samen een idee te verdedigen bijbracht. Via dat project ontmoette hij Benjamin Lebeau, die het album van de groep produceerde en hem op weg hielp. Sindsdien legt hij zich vooral toe op productie. In de herfst van 2020 bracht een sessie bij Pierre van Inuit hem in contact met Zaho de Sagazan: samen gaven ze vorm aan La Symphonie des éclairs, waarvan de uiteindelijke piano-opname een demo-opname is die werd vastgelegd met twee iPhones aan weerszijden van het instrument.
In deze aflevering van Tales vertelt hij over een nummer van Shaggy dat hem tegen wil en dank ontroerde, over de rol van de producer als doorgever van ideeën, over de beperking die elk van zijn klankpaletten stuurt, over zijn voorliefde voor het onzichtbare studiowerk en over het ambientalbum dat hij alleen in Antwerpen opnam met een modulair systeem en een bandrecorder, zonder computer.
Alexis Delong - Arrangeur, componist en producer
Het Tales-interview
Wat zijn je eerste herinneringen aan muziek?
Ik denk dat ze vrij eenvoudig zijn. Muziek in de auto, de muziek van mijn ouders. Maar er is één heel specifieke herinnering, eind jaren 90, begin 2000: It Wasn’t Me van Shaggy. Mijn moeder luisterde er voortdurend naar. Het nummer ontroerde me enorm, maar tegelijk maakte het me ongemakkelijk. Ik vond het een beetje stom om door muziek ontroerd te worden. In mijn hoofd dacht ik: „Waarom doet dit nummer dat met me?”
Nam muziek een belangrijke plaats in binnen je gezin?
Ja, absoluut. Mijn stiefvader van toen was erg onderlegd, vooral op het gebied van elektronische muziek, IDM en hedendaagse jazz. Hij liet me enorm veel dingen ontdekken die echt bij me binnenkwamen. En de eerste keer dat ik naar Aphex Twin luisterde, dacht ik: „Eigenlijk kun je veel verder gaan dan wat er op de radio komt.” Ik had veel geluk, er was thuis enorm veel kwaliteitsmuziek.
Als je je muzikale parcours in grote fases zou moeten opdelen?
Eerst enorm veel muziek luisteren tussen mijn 12e-13e en mijn 16e-17e. Tegelijkertijd gitaar en bas leren spelen, gewoon voor het plezier, om mee te spelen met wat ik leuk vond. Velvet, Jamiroquai, funk- of rockdingen.
Daarna de mensen ontmoeten met wie ik in Nantes serieuzer muziek begon te maken. Eerst Ecleptique, daarna Inuit. Dan begin je te denken dat het iets anders kan worden. Toen Inuit begon te lopen, brak een nieuwe fase aan. Vervolgens ontmoette ik via dit project Benjamin Lebeau, die ons album produceerde en me op weg hielp met productie. En sindsdien doe ik hoofdzakelijk dat.
Was er een moment waarop je dacht: „muziek gaat een centrale plaats in mijn leven innemen”?
Nee, juist niet. Vóór muziek heb ik allerlei passies gehad. Fotografie, informatica, voetbal... Elke keer dacht ik dat het een paar jaar zou duren. Toen ik serieus met muziek begon, dacht ik hetzelfde: „Het gaat wel over.” Na vijf jaar besefte ik dat het niet overging. Maar ik heb nooit gedacht dat het een roeping of een openbaring was. Gewoon: ik doe dit graag. Voorlopig duurt het voort.
Was er een bepalende ontmoeting?
Ja, volledig. Het is puur een vlindereffect. Ik zat in de voorlaatste of laatste klas van het literair onderwijs. Een vriend, Aldwin, zocht een bassist om een band op te richten. Ik zei: „Ik heb een bas, kom maar op.” Het was een zaterdag, gewoon om het te proberen.
Ik had nee kunnen zeggen, geen zin kunnen hebben. Als het anders was gelopen, zou ik vandaag waarschijnlijk iets anders doen. Muziek is nooit een bewust plan geweest, het is een opeenvolging van toevalligheden.
Wat betekent Inuit in je parcours?
Het is veel meer dan een leerschool. Het is het eerste echte deel van wat je een „carrière” kunt noemen. Het is enorm vormend geweest. Inuit is ook een heel sterk menselijk avontuur. We hebben geleerd hoe de muziekwereld en de industrie werken, maar ook hoe je met z'n zessen componeert, hoe je heldere arrangementen maakt, hoe je een idee verdedigt zonder dat van anderen te overstemmen.
Het was een technische, artistieke, maar ook psychologische en sociale leerschool. En naast het project zijn het heel dierbare mensen, met wie ik blijf samenwerken zodra dat mogelijk is.
Hoe heb je Zaho de Sagazan ontmoet?
Vrij eenvoudig. Pierre en Simon van Inuit werkten aan een project waarin Zaho toetseniste en backingzangeres was. Pierre vertelde me over haar nummers en zei dat ze erg goed waren.
We deden een sessie in de herfst van 2020, vlak na Covid. We ontmoetten elkaar bij Pierre thuis, ze liet ons haar nummers horen en we begonnen meteen gewoon muziek te maken. Het ging vloeiend, natuurlijk. We zaten niet te denken dat er iets enorms zou gebeuren. Het was gewoon cool.
Herinner je je het ontstaan van La Symphonie des éclairs?
Heel goed. De eerste keer dat ze het speelde, was ik er niet van overtuigd dat het het centrale nummer zou worden. Zaho was daar daarentegen zeker van. Zij had die visie.
Het nummer bleef heel lang kwetsbaar. De piano die je op de uiteindelijke track hoort, is een demo-piano die met een iPhone bij een vriend thuis is opgenomen, omdat we die dag in de studio noch een microfoon noch een piano hadden. We hebben het heel vaak opnieuw proberen te doen, maar het lukte nooit. Uiteindelijk hebben we die opname behouden.
Zaho wist dat dit nummer de hoeksteen van haar album was. We hebben enorm veel tijd besteed aan precies datgene uitvergroten wat zij in haar hoofd had.
Hoe pak je een kwetsbaar nummer aan, bijvoorbeeld alleen piano en stem?
Er zijn twee gevallen. Ofwel ontmoeten we elkaar in de studio met al een demo. In dat geval vind ik het essentieel om veel te praten. De intentie begrijpen, het grote plaatje, wie de persoon is, waarom het nummer bestaat.
Als je de intentie begrijpt, kun je je creatieve keuzes verantwoorden. In de studio besteden we gemakkelijk 30 tot 40% van de tijd aan praten, zelfs midden in het proces.
Het andere geval is wanneer iemand me een nummer stuurt en ik alleen werk. Dan is het veel instinctiever, experimenteler. Ik ga een beetje alle kanten op en probeer vervolgens er iets coherents uit te halen.
Hoe ga je om met de spanning tussen je persoonlijke visie en de verwachtingen van een project?
Ik probeer daarop vooruit te lopen. Tegenwoordig let ik er erg op om met mensen te werken die weten waarom ze mij inschakelen.
Een album is niet in absolute zin „goed”. Het werkt wanneer de juiste mensen op het juiste moment samenkomen. Mijn rol is om mijn vaardigheden ten dienste van een project te stellen, niet om een visie op te leggen.
Heb je een herkenbaar werkproces?
Niet echt, behalve één centraal principe: de beperking.
Ik begin altijd met het creëren van een klankpalet, een verzameling instrumenten. Zodra dat is bepaald, verbied ik mezelf om daarvan af te wijken. Daardoor kun je elders heel vrij zijn: in de arrangementen, harmonieën en melodieën.
Ik werk voor 100% met beperkingen. Weinig instrumenten, maar tot in de diepte verkend.
Waar komt die benadering vandaan?
Uit de IDM van de jaren 90. Extreem vrije projecten, maar gemaakt met heel weinig middelen. Dat idee van een klankidentiteit raakt me enorm.
En ik hou ook van de fysieke verhouding tot instrumenten. Onwaarschijnlijke voorwerpen vinden, knutselen, haastig geluiden maken, loops... wat mij betreft moet muziek maken bovenal speels blijven.
Studio of live, als je moest kiezen?
De studio, zonder twijfel. Ik creëer echt veel liever dan dat ik reproduceer. Live is het eindpunt, de projectie naar buiten. De studio daarentegen is een afgesloten plek, bijna buiten de wereld, waar alles nog kan bestaan zonder getoond te hoeven worden.
Ik hou van het lange, onzichtbare werk, van tijd besteden aan iets dat nog niemand heeft gehoord. Er zit iets heel kostbaars in die momenten. De muziek dient nergens voor, ze doet nog niets met iemand. Ze heeft geen effect, geen functie, geen onmiddellijke respons. En toch bevat ze misschien al iets krachtigs, iets dat ooit elders zou kunnen bestaan.
Die ambivalentie fascineert me. Soms een sessie verlaten met het gevoel dat wat we hebben gedaan nutteloos is, bijna absurd, en andere keren de intuïtie hebben dat er iets belangrijks zit, ook al weet nog niemand dat. Dat geheim, de tijd waarin het bestaat voordat het wordt blootgesteld, is precies waarom ik zo van de studio hou.
Heb je het gevoel dat de muzikale context sinds Inuit grondig is veranderd?
Enorm, vooral economisch. In onze tijd waren er veel ondersteuningsregelingen. Vandaag zou het veel ingewikkelder zijn om een zeskoppige band op te richten. Live is meer een doel op zich geworden dan een leermiddel. Veel projecten ontwikkelen zich eerst online, zonder echte podiumervaring. Dat is jammer, want live is de meest vormende plek die er is.
We behoren tot een van de laatste generaties die begonnen met spelen in bars, concertcafés. Dat model verdwijnt.
Als je het album van eender welke artiest zou kunnen produceren?
FKA twigs, met Dean Blunt en Oneohtrix Point Never. Omdat het leuker is als je met meerdere bent.
En een overleden artiest?
John Cage. Ik had graag met hem samengewerkt.
Een persoonlijk project, onder je eigen naam?
Ik doe dat voortdurend. Ik neem veel op, ik verken. Onlangs ben ik alleen naar Antwerpen vertrokken met een modulair systeem en een bandrecorder, zonder computer. Ik heb een ambientalbum op cassette opgenomen.
Waar dient het voor? Voorlopig voor niet veel. Maar het bestaat. En dat is al heel wat!
