Betaal met Bancontact
Muzikant die concertproducent werd, Pierre-Pascal Houdebine maakt al meer dan veertig jaar de ontwikkelingen in de live-entertainmentsector mee. Het begon allemaal met een oude trompet van zijn vader, die hij rond zijn twintigste terugvond in de berging van het ouderlijk appartement. Een vriend haalde op hetzelfde moment de trombone van zijn vader van zolder: de twee blazers sloten zich aan bij Les Satellites, een vriendengroep die professioneel werd en een boegbeeld van de Franse alternatieve rock uit de jaren 80-90. Acht jaar toeren, van zijn 20e tot zijn 28e, tot aan de Olympia.
Zonder diploma of beroep na het einde van de groep ontdekte hij dat hij organiseren net zo leuk vond als spelen. Twee jaar lang programmeerde hij Glazart in La Villette, waarna hij in 1999 Furax oprichtte, tien jaar nadat een opmerking in de uitzending van Nulle part ailleurs hem had geraakt: een gast voorspelde dat deze jonge muzikanten uiteindelijk bedrijfsleiders zouden worden. Vandaag is Furax een onafhankelijke productie met vijf werknemers en een zorgvuldig geselecteerd, vaak geëngageerd artiestenbestand.
In deze aflevering van Tales vertelt hij over het klavecimbel van zijn vader in een sociale huurwoning, over het verschil tussen produceren en boeken, over de structurering van live muziek in Frankrijk met de SMAC, over het lange traject dat van Hocus Pocus naar C2C en de Victoire de la Musique van Ben Mazué leidde, en over wat een concert onvervangbaar maakt.
Pierre-Pascal Houdebine - Concertproducent
Het Tales-interview
Wat zijn je eerste herinneringen aan muziek, voor zover je je kunt herinneren?
Die zijn heel duidelijk verbonden met mijn gezin. Mijn ouders luisterden ontzettend veel naar muziek. Vooral mijn vader was gepassioneerd door klassieke muziek, zozeer zelfs dat hij thuis een klavecimbel had. Dat was nogal ongewoon, omdat we in een sociale huurwoning woonden. Hij speelde er heel amateuristisch op, maar wel met echte toewijding: hij sneed zijn plectra zelf, stemde zijn instrument en bracht tijd door met alleen spelen in een hoek van het appartement.
Er waren ook veel platen, grote klassiekers, maar ook platen met muzikale verhalen waarin vertelling en muziek samengingen. Daarnaast nam zingen een belangrijke plaats in binnen het gezin. Samen zingen hoorde bij het dagelijks leven.
Muziek drong zich dus al heel vroeg aan je op.
Ja. Het kwam vanzelf. Het vormde mijn gehoor en wekte mijn nieuwsgierigheid. Muziek is een ongelooflijk rijk medium: je kunt er heel verschillende werelden mee verkennen, veel verder dan alleen het luisterplezier. Het opent deuren naar iets anders.
Er is die teruggevonden trompet, die bijna aan de basis staat van alles.
Dat is geen legende. Mijn vader kwam uit een groot gezin waarin elk kind een instrument moest leren. Voor hem was dat de trompet, die hij later aan de kant heeft gezet. Veel later, toen ik een jaar of twintig was, stuitte ik in een berging op die oude trompet.
Tegelijkertijd ging ik om met een groep vrienden die een band begonnen, en een van hen had net de trombone van zijn vader teruggevonden. We dachten dat twee blazers best interessant konden zijn. Zo ben ik terechtgekomen bij Les Satellites, een groep die een rol heeft gespeeld in de Franse alternatieve rock van de jaren 80-90 en die tot de eerste behoorde die blazers opnieuw in die scene introduceerde.
Voordat je producent werd, heb je het podium dus van binnenuit meegemaakt.
Ja. Heel snel groeide Les Satellites van een vriendengroep uit tot een professionele band. We toerden veel, speelden tientallen concerten per jaar, traden op in de Olympia, in Frankrijk en daarbuiten. Ik beleefde acht zeer intense jaren, tussen mijn 20e en 28e.
Het was een periode van grote artistieke vrijheid, die van de alternatieve beweging, waarin we ons losmaakten van de codes van de traditionele variété. Achteraf denk ik dat deze generatie ook sterk heeft bijgedragen aan de structurering van wat de live-sector zou worden: netwerken van zalen, speciale locaties, infrastructuur en zelfs institutionele erkenning.
Wanneer wordt muziek een beroep?
Ik heb nooit gedacht in termen van carrière of passie. Ik had helemaal geen plan. De dingen zijn gewoon geleidelijk gegaan.
Toen het project stopte, zat ik zonder diploma en zonder duidelijk beroep. Ik heb veel losse baantjes gedaan en andere groepen geprobeerd. Na verloop van tijd begreep ik dat die jaren op tournee een enorme ervaring vormden: kennis van de regio's, de zalen, de artiesten en hoe het vak echt werkt.
Tegelijkertijd kreeg ik steeds meer plezier in organiseren en begrijpen hoe alles werkte.
Er was ook die keerpuntperiode in het verenigingsleven.
Ja. Toevallig ging ik repeteren op een plek die nog geen echte zaal was: Glazart, in La Villette. Die plek ontwikkelde zich en ik werd er twee jaar lang programmeur.
Ik kreeg cassettebandjes, programmeerde met heel weinig middelen, uitsluitend dankzij de entreegelden. Daar heb ik enorm veel geleerd: programmering, loonadministratie, techniek, de achterkant van een tournee. Ik begon mijn vaardigheden te verbreden, zonder specialist te worden, maar wel door met alle beroepen te kunnen overleggen.
Furax ontstaat in 1999. Hoe omschrijf je je rol vandaag?
Furax is een onafhankelijk productiebedrijf voor live-entertainment. Ik hecht echt veel belang aan het woord producent.
Ik doe niet alleen de boeking van speeldata. Produceren betekent vooraf investeren: met de artiesten werken aan de inhoud van de show, residenties, artistieke en technische teams, en financiële risico's nemen nog voordat je de weg op gaat.
Je maakt een heel duidelijk onderscheid tussen produceren en boeken.
Ja, en dat is essentieel. Zo worden niet alle Engelstalige shows die in Frankrijk aankomen hier geproduceerd: ze zijn al volledig bedacht, opgebouwd en gefinancierd. Wij verzorgen dan alleen de boeking, produceren eventueel de speeldata, maar niet de show zelf.
Zelf heb ik vrijwel geen buitenlandse artiesten. Het kan gebeuren, maar het blijft erg uitzonderlijk. Ik produceer vooral Franse artiesten.
Produceren betekent dat je met hen afspraken maakt om een show te creëren, in dat project investeert, de opbouw ervan begeleidt en het vervolgens boekt. Daarna hoop je dat je die productie na een tournee kunt terugverdienen (wat niet altijd gebeurt), zodat je carrières kunt blijven ontwikkelen en de structuur draaiende kunt houden.
Je parcours is ook nauw verbonden met de structurering van live muziek in Frankrijk.
Ja, heel duidelijk. De alternatieve beweging van de jaren 80-90 was baanbrekend. Er was een bewustwording bij het publiek, maar ook bij de overheid.
Er werden politieke beslissingen genomen om te structureren wat nog niet echt bestond, met name door de oprichting van het staatslabel SMAC, waarmee steden konden investeren in echte zalen voor hedendaagse muziek. Deze deels gesubsidieerde zalen maakten het mogelijk om te repeteren, residenties te doen en onder professionele omstandigheden te werken.
Deze structurering kwam vanaf het midden van de jaren 90 geleidelijk tot stand. Vandaag zijn er in Frankrijk ongeveer honderd SMAC's.
Dat heeft voor enorm veel muzikanten mogelijkheden geopend. Er kwamen meer projecten, meer artiesten. Economisch gezien heeft het soms voor meer concurrentie gezorgd, maar bovenal heeft het ertoe bijgedragen dat muziek als beroep werd erkend. Toen werden we als rare mensen gezien. Vandaag wordt werken in de muziek erkend. En dat is geweldig.
Als we het over opvallende trajecten hebben, kunnen we dan C2C als voorbeeld nemen?
Ja, maar je moet begrijpen dat het een verhaal van lange adem is. Alles begon rond 2005 met Hocus Pocus, eerst met vooral regionale weerklank, met name in Nantes.
Twee leden maakten al deel uit van C2C. Met de andere twee begonnen we geleidelijk te werken: clubs, residenties, podia zoals de Seine. Stap voor stap ontstond er een echte muzikale en artistieke kracht.
We hebben die ontwikkeling langdurig begeleid, tot we met Hocus Pocus eindigden in een Zénith in 2011, wat duidelijk de start van C2C het jaar daarop voorafspiegelde.
Met Ben Mazué is het precies dezelfde logica. De eerste keer dat ik hem zag, stond hij in het voorprogramma van Hocus Pocus in La Cigale. Tien jaar later ontvingen we een Victoire de la Musique. En die dag hadden veel mensen het over een « ontdekking », terwijl we al tien jaar samenwerkten.
Er bestaat geen wonderrecept. Je moet je aanpassen en begrijpen in welke wereld we leven. Vandaag bestaat een artiest die sociale media volledig afwijst niet. Dat is niet eenvoudig voor alle generaties, maar het is de realiteit.
Wat maakt met jouw ervaring nu echt het verschil bij een artiest?
Uit ervaring weet ik dat vastberadenheid en het vermogen om jezelf in vraag te stellen essentieel zijn. Je moet openstaan voor overleg en dialoog met je concertproducent en je partners.
Maar bovenal moet de artiest een visie uitdragen. Ook als hij zich vergist. Als iemand gewoon zegt: « ik maak liedjes, zoek het maar uit », dan werkt dat niet.
Ambitie kan heel verschillend zijn: spelen in zalen met 500 plaatsen of mikken op stadions. Daartussen zijn alle niveaus respectabel. De enige echte maatstaf is de stap zetten van amateur naar professional en van je muziek leven.
In live-entertainment in de breedste zin van het woord kun je van je kunst leven zonder ooit in de Olympia te spelen, en dat is volkomen respectabel. In de muziek ontwikkelt live zich in hetzelfde tempo als het album en de marketing- en commerciële ontwikkeling.
Wat maakt live uiteindelijk absoluut onvervangbaar?
Zoals ik net al zei: het is natuurlijk mijn vak, dus ik kan moeilijk het tegendeel beweren. Maar dat moment waarop je samenkomt in een kleine, middelgrote of grote zaal, met een algemene verbondenheid tussen het publiek en de artiesten op het podium, is iets unieks. Het is uitzonderlijk, volledig vluchtig, en precies dat maakt het zo waardevol.
Een concert blijft alleen in onze herinneringen bestaan. Het concert in de Olympia, in de Stéréolux of ergens anders, dat ongelooflijke moment waarop we iets intens hebben beleefd, mensen hebben ontmoet, waarop er een soort osmose ontstond tussen iedereen die aanwezig was: dat is onvervangbaar.
In theorie zou men het om politieke redenen kunnen laten verdwijnen, via een administratieve of institutionele beslissing. Maar dat zou een technische sluiting zijn. Samenkomen, samen plezier maken, elkaar begrijpen, een sterke emotie delen (een emotie die heel anders is dan wat je alleen thuis kunt voelen wanneer je naar een opgenomen album luistert): dat zal men nooit kunnen laten verdwijnen.
Dat gedeelde moment maakt deel uit van de menselijke natuur. En volgens mij zal het altijd blijven bestaan.
Tot slot, als je volledig carte blanche kreeg: met welke artiest zou je dromen om samen te werken?
Welke artiest zou ik kiezen als ik echt de ultieme keuze had? Dat is ontzettend moeilijk. Omdat er in mijn hoofd zowel is wat ik muzikaal waardeer als de evolutie van mijn blik met de jaren. We veranderen, we evolueren, en muziek is vooral een kwestie van inwijding. Ik heb altijd dit idee verdedigd: je wordt ingewijd in muziek en vervolgens duik je er steeds dieper in.
En het werk dat ik doe, is een heel nauwe, heel diepgaande samenwerking met een artiest. Dus zeggen dat ik graag zou willen werken met iemand die ik niet ken, alleen omdat het een droom of een projectie is, is voor mij erg ingewikkeld.
Ik weet dat sommige van mijn collega-producers deze vraag heel gemakkelijk zouden kunnen beantwoorden. Ik heb die blik van de absolute fan niet. Zeggen dat ik ervan zou hebben gedroomd om met de Rolling Stones te werken, bijvoorbeeld (ik zeg maar wat), interesseert me niet.
Wat voor mij belangrijk is, is de ontmoeting, het gezamenlijke traject, het echte werk met een artiest, niet de fantasie.
Een concertzaal die iets bijzonders voor je betekent?
Ik zou de Bataclan zeggen.
